Con este nuevo trabajo, Melendi no busca redefinirse, sino reafirmar su identidad tras dos décadas de carrera, combinando la experiencia acumulada con la energía y el pulso contemporáneo que han marcado sus últimos lanzamientos. Pop Rock se presenta así como un álbum que mira al presente, pensado para ser compartido sobre el escenario.

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La venta comenzará el próximo 3 de noviembre a las 12 horas y se mantendrá el precio de los abonos durante las primeras 30 horas.

Abonos a 2.500 pesetas

El guiño a los 30 años del festival de Villarrobledo lo hacen precisamente también a los vecinos del pueblo, puesto que los empadronados podrán comprar su abono por solo 15 euros, aunque han recordado la moneda que todavía circulaba cuando comenzó el festival: 2.500 pesetas. 

Los empadronados en Villarrobledo podrán comprar el abono todo el día 2 de noviembre, aunque previamente se tendrán que inscribir y verificar que están empadronados en el municipio albaceteño.

A la espera de cartel

De momento, el Viña Rock no ha desvelado ningún nombre para la edición de 2027. En la edición de 2026 los organizadores tuvieron serias dificultades para poder completarlo, puesto que la mayoría de bandas clásicas y asiduas al festival se fueron desligando del mismo cuando se conoció que el festival pertenecía a un fondo de inversión proisraelí.

Ni la desvinculación del festival de ese fondo hizo que muchas de las bandas volviesen, puesto que las críticas al festival en redes se han ido sucediendo e incluso con una gran presión a todos los grupos que en un principio no se habían pronunciado sobre la polémica.

El propio festival hizo todo lo posible por salvar una edición que ya estaba herida de muerte, e incluso el medio que destapó la polémica publicó que efectivamente el festival se había desligado de KKR, pero aun así el público habitual del Viña decidió masivamente no ir al mismo y fue una edición un tanto descafeinada, con grupos que la gente no identificaba como del Viña Rock y con mucho menos público del habitual.

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Las actuaciones son totalmente gratis hasta completar aforo y el Gobierno de Castilla-La Mancha, organizador del evento, ha invitado a todos los vecinos de Tarancón y del resto de la provincia conquense a disfrutar de la buena música.

El concierto forma parte del programa ‘50 años juntos’, con el que el Gobierno regional está conmemorando por toda Castilla-La Mancha el 50 aniversario del inicio de la Transición democrática, con el propósito de recordar una etapa fundamental de nuestra historia y recuperar el espíritu de diálogo, convivencia y búsqueda de acuerdos que hizo posible la llegada de la democracia a España.

6.000 personas en la Fuensanta

Tras la excelente acogida del concierto celebrado el pasado sábado, 24 de octubre, en Cuenca capital, donde unas 6.000 personas disfrutaron de las actuaciones de La Brújula y París de Noia, ahora le toca el turno a Tarancón, que será el municipio encargado de cerrar el ciclo regional de grandes orquestas ‘La música que cambió un país’.

Esta iniciativa ha recorrido diez municipios de Castilla-La Mancha recuperando el espíritu de las verbenas y los guateques, que durante décadas fueron espacios de encuentro y convivencia entre generaciones. A través de la música, el Gobierno regional quiere acercar esta conmemoración a toda la ciudadanía.

En Tarancón, el público podrá disfrutar de la actuación de Sonital, una de las orquestas más veteranas de Castilla-La Mancha, procedente de Ciudad Real, y de Panorama, una de las formaciones de mayor proyección nacional, que cerrará su gira de 2026 en la localidad conquense con su espectáculo Time Tour.

El evento cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Tarancón. El acceso al Parque Ferial estará habilitado desde las 19:00 horas, por las entradas de la calle Los Novios, la avenida Pablo Iglesias y la situada más cerca de la avenida Adolfo Suárez. La entrada será gratuita hasta completar aforo y no estará permitido acceder al recinto con bebidas.

Más de 500 actividades por toda Castilla-La Mancha

El programa ‘50 años juntos’ comprende más de 500 actividades culturales, educativas y participativas que se desarrollarán hasta abril de 2027 en toda Castilla-La Mancha.

Además de los conciertos, la provincia de Cuenca está acogiendo distintas exposiciones y propuestas culturales que invitan a recordar cómo se vivió la Transición y a reflexionar sobre los cambios sociales, políticos y culturales experimentados durante estas cinco décadas.

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El grupo cartagenero ha anunciado 15 fechas y precisamente comienza la gira con cuatro conciertos en Cartagena (Murcia).

En el caso de Toledo, el concierto será el próximo sábado 29 de mayo en el Recinto Ferial de La Peraleda.

En Albacete, el concierto también será en el Recinto Ferial de Albacete, el sábado 4 de septiembre.

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Ulises Illán ha explicado a ENCLM las claves de su actuación en el histórico Teatro Nacional de Consta Rica, en San José, sobre cuyo escenario se ha interpretado Cartografía del agua, «un concierto que viaja desde el gran Barroco de Bach y Händel hasta el Clasicismo de Haydn». El concierto del domingo 23 de agosto,  fue retransmite en abierto por Canal 13, la televisión pública costarricense.

La Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica es una de las principales instituciones musicales del país. Las dos actuaciones dirigidas por Ulises Illán han registrado aforo completo. Allí acudió invitado por la propia Orquesta, llegada a través de su director titular y artístico, el también español Andrés Salado.

Dos horas de emoción y pasión, una característica de Ulises Illán, al que en breve podremos volver a disfrutar en Toledo, con motivo del VIII Centenario de la Catedral. Como muestra de su éxito sirvan estas imágenes que el director musical toledano ha compartido en sus redes sociales:

Para este debut, el director toledano diseñó Cartografía del agua, «un programa de concierto que recorre más de medio siglo de historia de la música europea y conduce al espectador desde el Barroco pleno de Händel y Johann Sebastian Bach hasta el nacimiento del Clasicismo de Joseph Haydn. «Tenía una enorme ilusión por trabajar con la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Es una formación con una misión cultural y educativa extraordinariamente importante en un país que ha sabido hacer de la educación y de la cultura una parte fundamental de su identidad», ha informado Illán.

Del caos al nacimiento de un paisaje

Cartografía del agua comienza con una de las obras más insólitas del Barroco francés: Le Cahos, de Jean-Féry Rebel, escrita en 1737. La partitura representa un universo anterior al orden en el que los cuatro elementos (agua, tierra, fuego y aire) aparecen todavía confundidos. A partir de ese primer caos, el concierto va construyendo progresivamente un paisaje musical en el que los elementos comienzan a adquirir identidad, explica el director con todo detalle.

«El concierto comienza en el caos y, poco a poco, el mundo se va ordenando. Me interesaba que esa transformación de los elementos tuviera también un paralelismo con la propia historia de la música», añade.

El agua adquiere después un papel protagonista con dos de las grandes partituras acuáticas del siglo XVIII. La célebre Water Music, o Música acuática de Georg Friedrich Händel traslada al espectador al Támesis londinense y a las celebraciones reales de la Inglaterra de Jorge I, mientras que la Wassermusik de Georg Philipp Telemann convierte el puerto de Hamburgo en una auténtica pintura sonora poblada por corrientes, mareas, vientos, divinidades marinas, tempestades y alegres barqueros.

El programa incluye también la Suite orquestal n.º 3 de Johann Sebastian Bach, la “Danza de las Furias” de Gluck, la Sinfonía en re menor La casa del diavolo de Luigi Boccherini y la obertura de L’anima del filosofo de Joseph Haydn.

Uno de sus objetivos ha sido acercar a una gran orquesta sinfónica moderna algunas de las herramientas desarrolladas durante las últimas décadas por la interpretación históricamente informada. «No se trata de convertir una orquesta sinfónica moderna en una orquesta barroca. Se trata de compartir otro vocabulario: trabajar la articulación, la danza, la retórica, el color y la manera en la que una frase musical puede hablar. En Bach o Händel no basta con tocar las notas: hay que pronunciarlas», afirma Illán.

El músico toledano reivindica además la extraordinaria capacidad de comunicación de un repertorio que, lejos de pertenecer únicamente al pasado, mantiene para él una conexión directa con las emociones del público contemporáneo. «El Barroco tiene pulso, teatralidad, sensualidad y una conexión física con las emociones. Un movimiento lento puede tener una melancolía infinita y, pocos minutos después, una danza puede acelerar nuestro pulso y hacernos querer marcar el ritmo con el pie. Es una música absolutamente viva».

Director de orquesta, violinista y musicólogo entregado a la recuperación de patrimonio

Director de orquesta, violinista y musicólogo, Ulises Illán ha desarrollado una parte importante de su trayectoria artística en torno a los repertorios barroco y clásico y a la recuperación del patrimonio musical histórico. Buceando en archivos, bibliotecas y templos ha logrado rescatar del olvido valiosas piezas que son memoria colectiva y patrimonio histórico que él devuelve al siglo XXI.

Es fundador y director de Nereydas, formación nacida en Toledo con la que ha desarrollado numerosos proyectos de investigación, recuperación e interpretación de música española de los siglos XVII y XVIII, y es también director titular de la Accademia Barocca Lucernensis, en Suiza. A lo largo de su trayectoria ha dirigido formaciones como la Orquesta Sinfónica de RTVE, Festival Strings Lucerne, Haydn Sinfonietta Wien o el Coro del Teatro Real de Madrid, entre otras.

Del Barroco de Bach y Händel al Clasicismo de Haydn

Además de su relación con el agua y los elementos de la naturaleza, Cartografía del agua está concebido como un viaje por la transformación del lenguaje musical europeo durante el siglo XVIII. Desde los «dos grandes titanes del Barroco», Bach y Händel, el programa avanza de manera progresiva hacia Gluck y Boccherini hasta desembocar finalmente en Haydn, afirma.

«La historia de la música no funciona mediante interruptores. El Barroco no se apagó un día para que a la mañana siguiente apareciera el Clasicismo. Los estilos conviven, se mezclan y se transforman. Quería que el público pudiera experimentar esa transición de una manera natural y seductora. Boccherini ocupa en ese recorrido una posición especialmente significativa. Su Casa del diavolo, de enorme energía teatral, sirve de puente hacia un lenguaje clásico que culminará en la obertura de L’anima del filosofo de Haydn», cuenta a ENCLM.

Ópera, ballet, Furias y tempestades en el Teatro Nacional

La dimensión teatral atraviesa buena parte del programa. Hay páginas procedentes del mundo de la ópera y del ballet, danzas, Furias, personajes de la mitología clásica, tempestades, vientos y hasta el infierno que Boccherini recrea en La casa del diavolo. «Esta característica adquiere un significado especial al interpretarse en uno de los grandes espacios escénicos de América Central: el Teatro Nacional de Costa Rica», apunta.

«Mucha de esta música nació en el teatro. Hay ópera, ballet, danza, personajes, fuego, viento y tormentas. Por eso resulta especialmente emocionante devolverla a un teatro y comprobar que, tres siglos después, sigue teniendo una capacidad extraordinaria para crear imágenes».

El proyecto representa un nuevo paso en la proyección internacional de un director que mantiene una fuerte vinculación con Toledo y Castilla-La Mancha, tanto a través de Nereydas como mediante sus proyectos de investigación y recuperación del patrimonio musical.

Ulises Illán regresa a la catedral de Toledo

Su próxima cita en Toledo tendrá lugar el 10 de octubre en la Catedral Primada, donde dirigirá a Nereydas en el concierto Cristalina fuente, con la participación de las sopranos Margarita Rodríguez y Alexandra Tarniceru. La cita se enmarca en las celebraciones del VIII Centenario de la Catedral de Toledo y en la programación del Festival Internacional de Música El Greco en Toledo.

El programa recuperará músicas conservadas en el archivo musical catedralicio y permitirá escuchar de nuevo la singular lira del cielo, en las manos de Juan José Montero. El concierto supondrá, además, la culminación del proyecto discográfico iniciado por Illán en marzo de 2026, dedicado a rescatar, interpretar y grabar algunos de los grandes tesoros musicales históricos de la Catedral de Toledo, avanza Ulises Illán.

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En el Templete de la Vega de Toledo, el silencio es circular. Sube hacia la cubierta, roza la arquitectura, regresa a los músicos y sale a buscar a quienes aguardan alrededor. Los templetes poseen una acústica extraña, menos dócil que la de un auditorio y mucho más humana. No aíslan la música de la vida. Por ellos atraviesan una conversación lejana, el paso de alguien que llega tarde, el murmullo de los árboles, el ruido de la ciudad que continúa detrás de cada pentagrama. La banda tiene que conquistar el aire sin expulsar de él cuanto ya existía. Esa noche, la Asociación Musical de Argés lo hizo desde la primera respiración.

Resulta casi insólito escribir en Toledo una crónica musical sobre una banda. Parece que el vocabulario noble de la crítica estuviera reservado a las orquestas, a los espacios con terciopelo y a las salas donde el público aprende incluso a toser con discreción. A las bandas se las despacha con gratitud municipal, unas líneas de cortesía y la fotografía de rigor. Grave error. Un clarinete no frasea peor por tocar al aire libre. Un bombardino no pierde hondura porque al otro lado del atril haya una farola. Y un pasodoble puede contener tanta inteligencia musical como algunas obras que gozan de un prestigio cuidadosamente administrado.

Las bandas no fallan

Las bandas no fallan. No fallan porque llegan antes que casi todas las instituciones culturales y permanecen mucho después de que se hayan apagado los focos. En sus atriles se sienta un muchacho que aún lleva el horario del instituto en la mochila junto a una mujer que ha aprendido a encontrar tiempo entre el trabajo y la vida; un músico recién incorporado comparte acorde con quien lleva décadas leyendo las mismas claves. El veterano conoce el oficio de esperar una entrada. El joven todavía conserva la insolencia necesaria para atacar una nota sin miedo. Uno presta memoria; el otro, porvenir. Ninguno pregunta la edad del compañero antes de respirar con él.

Tal vez por eso la banda sea la institución cultural más importante y menos reconocida de la España de los pueblos. Enseña música, desde luego, pero también algo anterior a la música y bastante más difícil: escuchar al que se sienta al lado. En una banda se descubre que tocar fuerte no equivale a tener razón, que el sonido propio carece de valor si destruye el plano sonoro de los demás, que una entrada brillante puede arruinar una frase si llega antes de tiempo. Pocas escuelas explican con tanta precisión el delicado arte de convivir. Todo está escrito en la partitura, aunque no figure entre las notas.

La Asociación Musical de Argés abrió su recorrido con Puerta Grande, de Santiago Quinto Serna, y la elección suponía ya una declaración musical. El pasodoble de concierto ha sufrido durante demasiado tiempo la condescendencia de quienes confunden popularidad con pobreza. Nada hay de menor en una música que exige pulso, articulación, elegancia y una arquitectura diáfana. En el buen pasodoble, los bajos deben empujar sin arrastrar, las maderas dibujar sin emborronar y el metal iluminar sin convertir la brillantez en estrépito. El trío necesita respirar de otro modo, abrir el fraseo, permitir que la melodía abandone por un instante la plaza y entre en una zona más íntima.

Puerta Grande reivindica esa nobleza. No pide disculpas por su carácter ni intenta disfrazarse de otra cosa. Camina con firmeza, administra bien sus contrastes y entiende que el ritmo puede tener señorío. La banda supo sostener su energía sin precipitarla, cuidar los equilibrios tímbricos y dejar que las voces interiores hicieran algo más que acompañar. Ahí empieza la diferencia entre tocar un pasodoble y comprenderlo.

Luego apareció Emilio Cebrián y Toledo dejó de ser únicamente el lugar del concierto para convertirse en materia musical. Churumbelerías posee el brillo rítmico, la viveza de articulación y esa capacidad tan propia de Cebrián para hacer cantar a la banda incluso dentro del impulso más festivo. Las maderas se mueven con ligereza, el metal afirma el carácter, la percusión acentúa sin invadir y la melodía avanza con una naturalidad que oculta un trabajo minucioso de instrumentación. Parece fácil porque está bien escrito. Y parece espontáneo porque detrás existe oficio.

Himno a Toledo

Pero Cebrián no era aquella noche un nombre más en el programa. Era un toledano regresando musicalmente a Toledo. Autor del Himno a Toledo, dejó en la ciudad una forma de reconocerse por el oído. Escuchar aquí su música desborda la interpretación de una obra concreta. Significa devolver al aire una parte de la memoria sonora de la ciudad, recordar que Toledo no se compone únicamente de piedra, pintura, espadas, campanas y siglos. También está hecha de melodías. Hay ciudades que conservan a sus compositores en una placa; otras permiten que vuelvan a respirar. El Templete de la Vega eligió lo segundo.

La música de banda alcanzó otra dimensión con Tierra de Luna, de José Alberto Pina. La dedicatoria partió de la propia Asociación Musical de Argés. Fueron sus músicos quienes quisieron ofrecer la interpretación a los profesionales y voluntarios que combaten los incendios y acuden allí donde el fuego, el miedo o la emergencia han alterado la vida. Bomberos, brigadistas forestales, agentes medioambientales, miembros de Protección Civil y tantas personas casi siempre anónimas encontraron en aquella música un reconocimiento sin medallas ni discursos. La banda eligió la partitura y decidió también hacia quién debía dirigirse su emoción.

Pina conoce la anatomía profunda de una banda. Sabe extraer gravedad del metal, convertir la madera en movimiento y utilizar la percusión para organizar la tensión, no como una simple exhibición de decibelios. Su escritura trabaja por capas, levanta planos sonoros, acumula energía y la libera con un sentido dramático que no necesita imágenes para resultar visible. Es música concebida desde dentro de la propia respiración bandística, consciente del registro, del color y de la potencia expresiva de cada familia instrumental.

La decisión de la Asociación Musical de Argés otorgó a Tierra de Luna una profundidad nueva. El fuego no aparecía como paisaje, sino como el límite hacia el que algunos hombres y mujeres avanzan para proteger la vida de los demás. La interpretación recordó a quienes trabajan entre humo, cansancio y riesgo; a quienes defienden casas, montes, animales y vidas sin esperar que nadie aprenda sus nombres. Cada crescendo adquirió así una dimensión humana. La música no describió su trabajo: lo reconoció. Aquella noche, la arquitectura musical de José Alberto Pina y el gesto de la banda se unieron en un agradecimiento escrito con aire, madera y metal.

Con Recluta, David Rivas Domínguez devolvió el oído hacia una tradición inseparable de Toledo. La Academia de Infantería no es únicamente una silueta al otro lado del Tajo. También forma parte del paisaje acústico de la ciudad, de su repertorio ceremonial, de la historia de sus marchas y de una escritura militar que ha dado a las bandas españolas disciplina de articulación, precisión rítmica y una manera muy particular de construir solemnidad. Rivas recoge ese legado sin encerrarlo en una vitrina. Lo activa.

La marcha bien interpretada no consiste en endurecer el sonido. Exige claridad en el ataque, exactitud en los acentos y un control riguroso de las dinámicas. El pulso debe avanzar sin volverse mecánico. El metal ha de conservar nobleza; los graves, firmeza; las melodías, dirección. En Recluta se reconocía una ciudad donde la música militar ha formado parte de ceremonias, desfiles, despedidas y recuerdos familiares. Toledo escuchaba una porción de su propia historia, esta vez liberada de la retórica y confiada al lenguaje exacto de los instrumentos.

La Antología de la Zarzuela permitió a la banda ejercer otra de sus funciones esenciales: custodiar un patrimonio que España admira menos de lo que merece. Chueca llevó a Agua, azucarillos y aguardiente el ritmo nervioso de Madrid, la gracia popular sin afectación, la calle convertida en precisión musical. Barbieri hizo de El barberillo de Lavapiés un prodigio de escritura escénica, donde la melodía sabe caracterizar, ironizar y narrar. Soutullo y Vert dejaron en La leyenda del beso una música capaz de suspender el tiempo, con ese lirismo que no teme ser amplio porque conoce la diferencia entre emoción y exceso.

La zarzuela contiene una parte formidable de nuestra inteligencia musical. En ella caben el idioma, los oficios, el deseo, la sátira política, la fiesta, la desigualdad, el amor y la manera española de defenderse de la tragedia mediante una melodía que entra por la ventana. Las bandas han preservado ese repertorio durante generaciones. Antes de que cada casa pudiera disponer de una orquesta grabada, ellas llevaron hasta los quioscos de música páginas concebidas para grandes escenarios. Fueron una radio con pulmones. Gracias a sus transcripciones, muchas personas escucharon por primera vez músicas que de otro modo les habrían quedado lejos.

Fidelidad, el pasodoble sinfónico de José Vélez dedicado a todas las mujeres y, de manera especial, a su esposa, introdujo una elegancia distinta. Su lirismo nace de la contención. Las frases se abren sin blandura, las transiciones están trabajadas con finura y la escritura permite que el color orquestal se transforme sin perder el pulso del género. La dedicatoria no pesa sobre la música; la orienta. Hay afectos que se expresan mejor con una melodía sostenida que con una acumulación de palabras. La banda lo dijo con sobriedad.

Solo una agrupación segura de su identidad puede viajar desde Cebrián, la zarzuela o el pasodoble sinfónico hasta la música popular contemporánea sin caer en la caricatura. La Asociación Musical de Argés no cambió de personalidad al acercarse a La pata y el gallo, a ABBA, a las canciones italianas o a Raffaella Carrà. Cambió el acento. La calidad de una banda se reconoce también en esa flexibilidad: modificar la articulación, aligerar el acompañamiento, buscar otro tipo de balance, permitir que el ritmo ocupe el primer plano sin perder limpieza ni afinación.

Cantare y Sarà perché ti amo despertaron esa memoria inmediata que no necesita presentación. ABBA puso en circulación melodías que el público llevaba años guardando sin saberlo. Raffaella Carrà regresó con su descaro luminoso, su manera de convertir el estribillo en una invitación física. Manolo Escobar compareció como comparecen ciertas voces populares: acompañado por biografías enteras, verbenas antiguas, viajes familiares, radios encendidas y canciones aprendidas sin ceremonia. La banda trató ese repertorio con respeto musical, que es la forma más seria de la alegría.

El público había comenzado escuchando. Terminó formando parte de la instrumentación. Primero fueron algunos labios siguiendo una melodía. Más tarde apareció el canto, todavía prudente, y luego la prudencia perdió toda utilidad. Hubo palmas, voces, cuerpos que aceptaron la invitación del ritmo y gente que se arrancó a bailar. La frontera entre músicos y espectadores se deshizo sin necesidad de proclamarlo. Una banda sabe lograr eso porque no actúa ante la ciudad, sino dentro de ella. El público no interrumpía la música. La completaba con una sección nueva, poco afinada quizá, pero irreprochable en entusiasmo.

El Templete de la Vega dejó entonces de ser mobiliario urbano. Se volvió plaza, caja de resonancia, punto de encuentro y una pequeña república del oído. Los espacios públicos adquieren sentido al ser usados, no al ser inaugurados. Un templete vacío es una promesa arquitectónica; una banda tocando en él convierte esa promesa en vida. La Vega se llenó de música y, por tanto, de ciudad. Durante unas horas, Toledo se escuchó a sí misma sin quedar sepultada bajo el peso de sus monumentos.

El público había comenzado escuchando. Terminó formando parte de la instrumentación

En el centro de aquella circulación sonora estaba Alberto Díaz Alamillo. Dirige con un gesto limpio, sin caligrafía innecesaria. La mano derecha fija el pulso; la izquierda modela una dinámica, pide una retirada, abre espacio a una voz interior. No sobreactúa porque conoce a sus músicos y confía en el trabajo previo. Su dirección tiene naturalidad, pero no descuido. Detrás de cada transición bien resuelta, de cada entrada segura y de cada equilibrio entre familias instrumentales existe una idea de sonido colectivo.

Toledo lo conoce y lo quiere por algo más que su competencia musical. Alberto es uno de esos directores siempre dispuestos a colaborar, a acercarse, a poner la música al servicio de una ciudad sin convertir el servicio en una pose. Es amigo de Toledo porque lo es también de Argés, y ha comprendido que ambas localidades pueden encontrarse en un atril mejor que en muchos discursos.

Además, llegó al templete con una música reciente en la vida. Acaba de ser padre por segunda vez. Al pequeño Alberto se ha unido Martina. Hay una delicadeza especial en ver dirigir a quien lleva días aprendiendo otra respiración, la de una recién nacida, ese compás doméstico que no admite metrónomo. Pocas celebraciones superan la de compartir la música rodeado por la familia elegida y por la familia que la vida acaba de agrandar. A los padres, la enhorabuena más limpia, la que no necesita levantar la voz.

Ninguna voz basta por sí sola

Quizá todo estuviera contenido ahí. Una banda y una familia se parecen en lo esencial: ninguna voz basta por sí sola, cada llegada modifica el equilibrio y el futuro depende de aprender a respirar juntos. Las bandas construyen ese aprendizaje semana tras semana, ensayo tras ensayo, sin grandes campañas institucionales. Guardan repertorios, forman músicos, acompañan procesiones y fiestas, estrenan obras, despiden a los muertos, celebran a los recién nacidos y ponen música a los días en que un pueblo necesita reconocerse. Su historia no se conserva únicamente en archivos. Pasa de boca en boca, de maestro a discípulo, de una columna de aire a la siguiente.

Al terminar, los instrumentos descendieron lentamente, los atriles comenzaron a cerrarse y el Templete devolvió las últimas vibraciones. El público se fue dispersando por la Vega. Parecía que el silencio regresaba, pero ya no era el mismo. El silencio anterior aguardaba la música; el nuevo la contenía. Había aprendido el fraseo de Cebrián, la tensión de Pina, el pulso de Rivas, la calle de Chueca, la hondura de Soutullo y Vert, la elegancia de Vélez y el júbilo sin complejos de unas canciones capaces de poner a cantar y a bailar a toda una plaza.

Conviene dar las gracias a la música de banda. Darle las gracias por haber llevado durante generaciones el repertorio hasta lugares a los que no llegaban los auditorios; por haber enseñado a respirar juntos a quienes quizá no tenían nada más en común; por haber conservado melodías que habrían desaparecido de la memoria colectiva sin el trabajo obstinado de miles de músicos. Gracias por seguir demostrando que la cultura no siempre necesita mármol, grandes presupuestos ni ceremonias. A veces le bastan una partitura, unas sillas, varios atriles y un grupo de personas dispuestas a poner su aliento al servicio de los demás.

¡Viva la música!

Y gracias a la Asociación Musical de Argés por su coraje. Por afrontar cada página con seriedad, por no rebajar la exigencia ante un repertorio popular, por comprender que disfrutar no significa tocar con menos rigor. Por atreverse a pasar del pasodoble sinfónico a ABBA, de la zarzuela a Raffaella Carrà, de Emilio Cebrián a Manolo Escobar, sin perder en ningún instante su sonido, su oficio ni su identidad. Hace falta coraje para tocar así. También para defender que una banda merece ocupar el centro de la vida cultural y no sus márgenes.

Las ciudades creen que su memoria reside en la piedra, en los documentos y en las fechas. Olvidan que también permanece en el aire que alguna vez vibró al mismo tiempo para todos. Eso hacen las bandas. Le dan sonido al pasado, respiración al presente y un lugar donde comenzar al futuro. La última nota desaparece, pero deja a la ciudad modificada. Algo queda latiendo bajo el ruido cotidiano, como una afinación secreta que ya nadie puede deshacer.

Os seguimos esperando en la Vega, allí donde el aire ya conoce vuestra respiración y el Templete sabe devolver vuestro sonido. Os esperamos porque una ciudad necesita a quienes se atreven a llenarla de música y, al hacerlo, la llenan de vida. Hasta que Alberto Díaz Alamillo vuelva a levantar la batuta y la Asociación Musical de Argés pronuncie otra vez su primera nota, quede sobre Toledo este grito nacido de la gratitud: ¡viva la música!

Fernando Redondo Benito.

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Se trata de un festival que quiere hacer las cosas de una manera diferente y sigue apostando por hacer llegar la música de forma gratuita a todos los asistentes.

Horarios y conciertos el viernes

El festival lo abrirá el viernes Eruktogatos a las 22 horas, una banda de punk-rock madrileña que se ha consolidado en la escena rockera independiente y ha colaborado con artistas de la talla de Los de Marras.

A continuación, a las 23:30 horas, será el turno de Hambruna, un grupo conquense formado en 2021 que rinde homenaje a un amigo y músico conquense Paco Mejías, líder de Hambruna Porruna, que falleció en 2020.

Sínkope será el plato fuerte del viernes. Comenzará a la 1 hora. La banda extremeña lleva sobre los escenarios desde 2001, uno de los referentes del rock español que ha publicado nada menos que 15 discos.

La jornada la cerrará Wacheras, un grupo de Tarazona de la Mancha (Albacete) que tiene un espectacular directo con su ska y mestizaje, un subidón de alegría para terminar la fiesta. Empezará a las 3:15 horas.

Horarios y conciertos el sábado

En cuanto al sábado, la jornada la abre a las 23 horas Cableados, un grupo madrileño que nació en 2007 con colaboraciones con integrantes de Marea como Kutxi Romero o Pajarillo, de los Porretas.

A las 00:45 horas llegará el turno de cabeza de cartel del sábado, Reincidentes, que tienen temas que han trascendido generaciones como Ay Dolores!!, Jartos de aguantar, La republicana y Vicio.

Wahira tocará a las 2:45 horas, una banda churriega con una propuesta muy fiestera que combina ska, rock, funk y ritmos latinos.

El festival lo cerrará Duro y Crudo, un tributo a Extremoduro, que comenzará a las 4:30 horas.

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